THOMAS PODVIN’S FREELANCE WORK
Freelance writer - translator - Editor

The Butterfly Lovers is to Chinese what Romeo and Juliet is to Westerners, an ancient romantic story filled with tragedy. The story relates how Zhu Ying Tai disguises herself as a boy to pursue education at a college where women are forbidden. She befriends then later falls in love with her classmate Liang Shan Bo. But her father forces her to marry a powerful official in order to strengthen the family social position.
The Butterfly Lovers has been adapted countless times in diverse forms: operas, concertos, stage plays and movies (two versions are remarkable, Li Han Hsiang’s The Lover Eterne, 1963, and Tsui Hark’s The Lovers, 1994). Here this historical legend is animated in a rare attempt to modernize the myth and make it accessible to a new generation. With its imaginative design, international production standards and inspired direction, this version could have been a real treat.
Unfortunately, the film suffers from what seems to be two conflicting aims. With an over-abundance of characters, the viewer is confused; at the same time the complex emotions of the original has been reduced to a simple tale of good versus evil. Finally, the pop music soundtrack grates. Considering the merits of the source material, it’s a pity the filmmakers have brought this production down to the level of a Disney production.


(c) that's Shanghai Magazine
Chief editor: Steven Crane
July 2005 issue

Hong Kong director Yim Ho delivers a tender story about youth seeking identity, while looking at others. With great subtlety, Yim explores a new generation of Chinese confronting old questions of love, marriage, and faithfulness, and modern concerns such as abortion and environmental damage. Yim Ho is one of the leading directors responsible for Hong Kong’s new wave movement in the early 1980s, which was begun by a group of directors with overseas television experience. This group is more concerned with the realist form and social issues, rather than any commercialism. And both these attributes are in evidence here, as is Yim’s obvious rapport with actors. Although not one of his best works, A West Lake Moment, set in Hangzhou’s gorgeous West Lake (two hours from Shanghai), offers a fresh take on the love genre which of late has fallen on trite times.

(c) that's Shanghai Magazine
Chief editor: Steven Crane
July 2005 issue

This flick is billed as "the first Chinese psycho movie". Which is not quite accurate. Like me, viewers will wonder if this is a psycho horror movie or simply a movie with a psychological subtext. The film begins with Chinese bourgeois Shen Xiao (Ge You) alerting his friend Yiran to the disappearance of the latter’s wife. What follows is a series of ghostly illusions and endless questions concerning the missing spouse. The plot is as simple as ABC on paper, but director Zhang Bingjian complicates the story to no discernable purpose. Redundant effects, flashbacks and illusions make for an uncomfortable and confusing viewing experience. For Zhang, cheap thrills take precedence over a clear mise-en-scene. As a result, by the end of the movie, the viewer could care less about what happened to Mrs. Yiran. Suffocation offers cheap thrills and is mildly entertaining, in part due to Ge You’s performance, but is far from being an unforgettable experience.

(c) that's Shanghai Magazine
Chief editor: Steven Crane
July 2005 issue

Devdas (Shah Rukh Khan) et Paro (Aishwarya Rai) sont amis d'enfance. Paro se languit de revoir Devdas contraint par son père de partir étudier dix ans en Angleterre. Pourront-ils enfin exprimer leurs sentiments l'un pour l'autre et se marier ? Parler d'un film Bollywood dans ces pages consacrées à Hong Kong peut paraître surprenant. Sans s'étendre sur le sujet, il arrive qu'on retrouve, dans d'autres cinématographies, une idée de cinéma (spectacle, réflexion ou exercice cinématographique) proche de ce qu'a pu fournir le cinéma de HK à une certaine époque. C'est le cas pour Devdas, d'où l'intérêt qu'on lui porte ici.

Devdas rempli son contrat de film à grand spectacle Bollywoodien (glamour, chants et danses, sentiments exacerbés) et fait preuve de raffinements, de subtilités ainsi que d'une grande rigueur. L'esthétisme, la psychologie des personnages, le scénario et les dialogues sont particulièrement soignés.

Il est difficile de parler de Devdas sans recourir aux superlatifs, tant ce film représente un véritable culte du beau. Il y a toujours un plus dans tout ce qui est mis en scène et cadré. Les actrices ont les mains maquillées et ornées de bijoux, elles portent des costumes chamarrés et évoluent dans des décors grandioses sublimés par un éclairage très travaillé. Mais Devdas n'est pas un exercice de style friqué et vain. Les magnifiques décors raffinés, presque baroques, le maquillage, les costumes et accessoires, et la photographie ainsi que certaines idées de mise en scène subliment les personnages et leur histoire. Tous ces éléments participent au spectacle et sont adroitement utilisés pour exprimer des sentiments et des émotions ineffables. Le talent du réalisateur, et de son équipe, est d'avoir mis une débauche de beauté et de splendeur au service de son propos et du parcours des personnages.

L'un des grands atouts du film est ainsi d'échapper aux travers typiques de ce genre de produit. Le réalisateur évite soigneusement de longs tunnels dialogués pour expliquer une histoire ou des sentiments. Il choisit plutôt de les montrer et de les dévoiler en recourrant à tous les éléments visuels (photographie, montage, décors, accessoires…) et sonores propres au médium. Toutes les ressources cinématographiques disponibles sont donc employées au maximum. La photographie est évidemment l'outil à l'efficacité la plus visible. Dans la scène au clair de lune où Devdas découvre le visage de Paro, les deux amoureux sont enrobés par une réflexion mouvante des vitraux colorés sous les rayons lunaires. Celle-ci accentue la révélation magnifique et souligne la comparaison entre la beauté des traits de Paro et de la lune. Le montage à également son importance. La séparation des deux amants est montée en cross cuting ou montage alterné, entre ici un flash back et une scène actuelle. Ce procédé permet de mettre en parallèle les tragédies du passé et du présent et donc démultiplie leur intensité dramatique. Enfin, l'ambiance sonore appuie les effets. Le bruit du tonnerre ou d'un claquement de fouet vient appuyer un moment tragique ou une terrible révélation.

Le fond et la forme vont ainsi se compléter, s'harmoniser et sublimer l'histoire des personnages. Le film prend des allures de conte de fée après le premier tiers. Tout converge alors vers un spectacle d'une intensité et d'une beauté extrême. Lors de la scène à la source entre Devdas et Paro, la lumière de la lune les illumine d'une clarté quasi féerique. Le film entre alors dans une phase plus onirique, en dehors des réalités d'une simple histoire d'amour, et évidemment loin du quotidien indien (lieu et époque demeurent assez flous). Devdas est devenu gentleman tandis que Paro possède tous les atours d'une princesse de contes. Le premier ne peut se soustraire à son déclin malgré toutes ses vertus. Paro, elle, change de statut et évolue dans un environnement qui correspond à ses métamorphoses. D'abord jeune fille qui attend Devdas dans sa chambre, elle prend ensuite des allures de belle au bois dormant orientale au clair de lune. Puis elle acquiert une situation stable d'épouse d'aristocrate et de mère au sein d'un palais grandiose où un plan majestueux lui donne les apparences d'un personnage de peinture assujettie à son environnement et au décorum. Par la suite, sa grandeur, son charisme, le luxe des ses vêtements et bijoux révèlent l'importance de sa situation de maîtresse de maison.

En utilisant tous les moyens mise à disposition, le réalisateur Sanjay Leela Bhansali réussi avec rigueur et sans digression inutile à imprimer sur pellicule le pathos de ses personnages et à redonner ses lettres de noblesse au genre de la comédie mélodramatique indienne. L'histoire d'amour de trois heures ne s'essouffle pas car de nouveaux éléments viennent s'ajouter au récit et maintiennent l'intérêt du spectateur tout en faisant progresser l'intrigue. Ce qui ne veut pas dire que Sanjay Leela Bhansali ne prenne pas son temps pour ménager de purs moments de poésie (avec danses et chants par exemple) ou des instants lyriques (dialogues imagés, poétiques et / ou à plusieurs niveaux de lectures) qui confirme la filiation du film à la littérature. Pour mémoire, le scénario est basé sur un roman classique indien déjà maintes fois porté à l'écran. Devdas est un film populaire, mais qui offre une plus-value indéniable par rapport aux autres films commerciaux Bollywood du genre. Il ne sombre pas dans les écueils faciles du mélo. Le film n'est ni kitch, ni ennuyeux et tout en impliquant le public au divertissement, il évite de prendre le spectateur en otage d'une déferlante de bons sentiments et de débordements lacrymaux (comme le laissait faussement présager le premier quart d'heure). Bref, il titille autant l'affect que l'intellect, il contente autant le goût du beau que le pathos. Ce qui mérite tout de même la plus grande attention.

(c) HKCinemagic.com
Chief editor: Thomas Podvin
Published: 21/04/03
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Tsui Hark has always enjoyed playing with the two antagonist facets of the cinema industry: business and art. Unfortunately, this game doesn't come with drawbacks and Time and Tide is a good example. As an art object, this movie is probably the most exhilarating graphic material ever shot for the last five years, aside from Wong Kar Wai's features probably. On the commercial side of the project, however, Time and Tide didn't trash the box office in Hong-Kong or in Far East Asia as expected by the co-production Company Columbia Tri-Star. The success was there, but still moderate. A good cast of stars (i.e. Taiwanese rock star Wu Bai, Hong-Kong pop star Nic Tse and Candy Lo) should have assured to break records. What went wrong? Probably tremendous fast action mixed with an apparently complex plot but delivering several different sub-textual issues didn't appeal enough to the audience.

Some people stated that the holes in the plot of Time and Tide were eventually corked by ultra high-speed action, hyper-kinetic camerawork and editing. Tsui Hark never said that they were wrong, but he declared that Time and Tide is full of his favourite sub-textual themes, e.g. hope, romantism, existentialism, post-hand-over doubts and struggle against fate. I should add that there are plenty of different atmospheres and a lot of attractive characters in this feature.

Frankly on paper, this plot seems easy to grasp. The way Tsui Hark tells his story has however disconcerted a lot of people and even some film critics. But Tsui Hark tried hard to make the story easy to follow with directors' tricks such as voice over technique and a relative linear plot. Lots of supporting roles make the movie rich in situations and confrontations, but can confuse an audience used to be spoon fed in theatres. Don't get me wrong, I am not blaming the audience's capability to understand plots. The simple fact that the American film industry has always flood the world with linear plot features or easy story telling shows that sometimes people go to the cinema not to be bothered by any plot intricacy. For instance, The Matrix scriptwriter, aware of this fact, developed his script in order to explain Keanu Reeves and the audience the complexity of the Matrix worlds, which takes nearly half of the film length.

However, Tsui Hark has always taken advantage from a new production to experiment as much as possible the cinematic medium. He has used his audience to get ready to undergo an amazing experiment when going to theatres. For instance, flashy colours and bonkers editing will probably still affect your retina a few hours after watching Time and Tide. Intensive editing from Marko Mak served the instantaneousness of speed action, but was also a mean for Tsui Hark to tell a story only giving what he wants (e.g. through jump cuts and ellipsis) to let the audience reassemble the puzzle and understand. Such brain process could appear daunting, especially when one is expecting to watch a modern action movie with his/her favourite pop stars.

Tsui experiments as well in order to show something never seen before, to create something new or to revive old practices in the local cinema. In Time and Tide, he revived tired heroic-bloodshed action sequences from recent Hong-Kong movies with wire works as well as he did for Kung-Fu movies, i.e. Once Upon A Time In China that launched Jet Li's career.

In addition to that, Tsui managed to create different type of atmospheres and can even put together abrupt changes in tone the simplest fashion possible. In the beginning of the film the way a hand held camera follows Nic Tse through filters and fancy lighting and shows the exceptional tact he has with females and his ability to pull, refers to Wong Kar Wai's work, especially Chungking Express and Fallen Angels. But within this sequence, another atmosphere or strong feeling come into the equation. Nic Tse and Cathy Chui vomit after a drinking session from a bridge as taxis drive by. To me, this type of trash and anarchic behavior refers to Tsui's third movie: Don't play with fire (aka Dangerous encounter of the first kind) describing a bunch of anarchic schoolboys in a rotten Hong-Kong.

So finally, Time and Tide is worth watching over and over again for its complexity and its fantastic action scenes that makes its richness and its appeal. It does deserve a second though. When asked about Time and Tide, Tsui Hark claimed to have made a new type of action film and even expect from the audience to adjust to it! To convince people, Tsui made another brilliant feature that shows action and tells a story in the same particular way: Legend Of Zu. Better get used to it!

(c) HKCinemagic.com
Chief editor: Thomas Podvin
Published: 12/2001
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