THOMAS PODVIN’S FREELANCE WORK
Freelance writer - translator - Editor

When the first Academy Award® ceremony was held in 1929 in Hollywood there was no suspense; winners had been announced three months earlier. Nowadays, the Oscars® election campaign in Hollywood is said to rival the craze and excesses of the quadrennial race for the US presidency. The tremendous suspense that surrounds the Oscars is nerve-wracking for US and international film professionals alike and is the object of the wildest speculations. That’s because in seven decades the Academy Awards – presented annually by a Beverly Hills non-profit professional organization, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS) – have become the most influential film awards in the world. Just being nominated for one of the major awards (Best Picture, Best Director, Best Actor, etc.), never mind winning, means a huge amount to filmmakers – and their bankers.

Non-US films have been allowed to take part in the frenzy since 1956; the AMPAS has invited each country to submit one film in the Best Foreign Language Film category. This is a chance for foreign films to enhance worldwide awareness and boost international sales. Chinese filmmakers have strived to submit their films and chalk up nominations since the early 1990s. “For China, it’s largely about foreign profile; gaining face internationally by being ‘recognized’ by the world’s most powerful industry,” explains Derek Elley, a senior film critic from the US entertainment industry magazine Variety. This year, four Chinese contenders made the headlines, as they campaigned to represent the country. There were two period dramas: Zhang Yimou’s Curse of the Golden Flower, an expensive martial arts epic starring Gong Li and Chow Yun-fat; and Feng Xiaogang’s The Banquet, a mainland-Hong Kong historical drama inspired by Hamlet and starring Zhang Ziyi and Ge You. Two contemporary-set films were also competing: Zhang Yibai’s independent thriller set in Chongqing, Curiosity Kills the Cat, starring Hu Jun and Carina Lau; and Zhang Jiarui’s The Road, a modest production shot in Yunnan and starring Zhang Jingchu. In October 2006, it was finally decided that Curse would represent the Chinese mainland while The Banquet would be the Hong Kong SAR official submission.

So why is it so important for Chinese filmmakers to be nominated or to win an Oscar? “Getting an Oscar nomination can improve the status of the producers and directors,” answers John Chong, Media Asia CEO and producer of The Banquet. It certainly helps the career of both new and seasoned filmmakers. “Being a film director in China is quite hard,” says Zhang Jiarui, a director anxious to get international accolades and whose third film, The Road, was released in China in early 2006. New Chinese directors have to take the responsibility of financing and distributing their own movies. Says Zhang: “When a director has established his own brand (such as Zhang Yimou and Chen Kaige) money will start to look for them.” Oscar nominations look good on a résumé, and because everyone wants to read about the Oscars, they can be a tool for domestic promotions. In the case of Curiosity Kills the Cat, independent producer Jimmy Wu smartly used the opportunity to gain publicity for the film’s Chinese release and also to make some points about the whole selection process. “To send Kung Fu/Emperor type of films to the Oscars for six consecutive years made China film administrators [look like] morons,” laments Wu, whose strategy was to play with the “silly Oscars obsession in China” to promote his film, set in modern times. It worked. “It helped the promotion and awareness of the film,” said Curiosity director Zhang Yibai. The public release jumped from an original exhibition in five cities with 66 prints to a nationwide release with 200 prints.

If modest directors can expect to score a few more points at the local box office with the Oscar buzz, acclaimed filmmakers helming big-budget flicks also need the extra publicity. “The capacity of the Chinese market is limited,” explains Zhang Yimou. “A big movie which cost RMB 300 million needs to make RMB 700 or 800 million to cover the cost.” The only way to recoup such costs is to attract the international market – with an Oscar nomination or win, for instance. In 2001, Ang Lee’s Couching Tiger, Hidden Dragon (CTHD) was nominated for 10 Oscars and won four of them (Foreign Language Film, Music, Cinematography and Art Direction), a unique historical feat for a foreign language film.

After the Oscars ceremony on March 2001, CTHD’s cumulative US box-office takings were in the neighborhood of USD 100 million. That’s a pretty decent neighborhood. The film ended up being a USD 130 million blowout stateside. No wonder that even before they started shooting Curse of the Golden Flower, Zhang Yimou and his producer, Zhang Weiping, had already planned to vie for the Oscars. Curse was simultaneously distributed this December in China and in the US by Sony Pictures Classics (the CTHD distributor) and expectations for Oscar success run high.

Producer Wu’s concern is, however, legitimate. It’s always historical dramas, or wuxiapian, that are selected. “Chinese producers think they stand the best chance of winning with big-budget martial arts epics,” says Elley, “as voters go for ‘exotic’ movies or ones that fit their clichéd perception of a country, like costume pictures showing Old Europe or films with Jewish themes.” Sad but true, international markets only accept a single Chinese film genre – period, costume and martial arts movies. “Taking the international market as a big dining table, Chinese movies are seen as a small plate of peanuts, an appetizer or cold dish, which cannot be served for every meal,” deplores Zhang Yimou, who has had three films nominated at the Oscars, all of them period dramas, though not all kung fu orientated (Judou; Raise the Red Lantern; Hero). In retrospect, the modern Curiosity Kills the Cat and The Road stood virtually no chance of being selected for national submission. Western audiences still prefer martial arts fantasies and historical tragedies, genres rooted uniquely in Asian culture. “It is very much like we prefer Japanese sushi or French wine,” says Easternlight Films director Ying Ye, who distributed The Road worldwide. Even so, to propose a genre ‘accepted’ by voters isn’t necessarily a guarantee for success. Last year, China’s submission was Chen Kaige’s slick and expensive wuxiapian The Promise, which got very poor press in the US and wasn’t even nominated.

The odds of correctly forecasting the five nominees out of 61 official submissions for the Best Foreign Language Film Award are quite low. But luck isn’t the only determining factor. “To stand a chance of even being selected into the final five, you need a US distributor for your film and/or a savvy Hollywood PR, plus lots of money for screenings, trade ads etc.”, explains Elley. “The Banquet doesn’t yet have a US distributor (at least at the time this article went to print), creating a huge problem for the production companies, Huayi Brothers and Media Asia, who will have to push the film themselves. At least, Curse is distributed by Sony Pictures Classics, which has a history of opening Chinese films in the US (House of Flying Daggers in 2004 on 1,500 screens; Kung Fu Hustle in 2005 on 2,500 screens). Another obstacle to overcome is the taste of voters. The bottom line is, according to Elley, that “foreign language Oscar winners have simply something which appeals to specifically American tastes [and they] have often not been hits in their home countries.” Although Zhang Yimou has never won so far, he’s received three nominations. His latest kung fu epics Hero and House of Flying Daggers, widely distributed in the US, were branded as ‘wuxiapian for foreigners’ and received the cold shoulder from Chinese audiences and critics alike. Judging by Zhang’s history, Curse of the Golden Flower, a new lavish historical drama designed for foreign eyes, stands every chance.

For more information see http://www.oscars.org/

All interviews and research by Thomas Podvin.
Special thanks to Derek Elley.

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Oscar facts
by Thomas Podvin

• 5,800 is the current number of voting members from the Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS). When AMPAS was founded in 1927, it consisted of 230 members.
• 16.5 in (42 cm) and 8.5 lb (3.86 kg) are the height and weight of an Oscar.
• 2,300+ statuettes have been awarded so far.
• On January 23, 2007, the nomination results will be announced.
• On February 25, 2007, the Oscars ceremony will take place at the Kodak Theatre in Hollywood, California.
• The Chinese mainland, Taiwan, and Hong Kong have respectively received 3, 3 and 2 Oscar nominations in the Best Foreign Language Film category. Only Taiwan province won an award.
• 61 foreign language films were submitted for this years’ 79th Academy Awards – a record.
• Rule 14 serves as the ‘Ten Commandments’ of the Oscars, a strict and rigid set of rules to be followed by filmmakers when submitting a foreign language film.
• Oct. 1, 2005 to Sep. 30, 2006 is the period during which the submitted foreign language films for the 2007 Oscars should be publicly released in their home country for seven consecutive days.
• Zhang Yimou was nominated three times as Best Foreign Language Film (Ju Dou, 1990; Raise the Red Lantern, 1991; Hero, 2002), while Chen Kaige was nominated only once (Farewell My Concubine, 1993). Ang Lee was nominated three times and won once in 2000 (The Wedding Banquet, 1993; Eat Drink Man Woman, 1994; Crouching Tiger, Hidden Dragon, 2000).
• RMB160 was the ticket price for Zhang Yimou’s Curse of the Golden Flower during the mandatory one-week public screening held to meet the requirements for the Best Foreign Language Film application.

(c) that's Shanghai Magazine
Chief editor: Steven Crane
January 2007 issue

(c) that's PRD Magazine
Chief editor: Phil Boyle
February 2007 issue

Il y a quelque chose de magique qui émane de Seven Swords (Qi Jian), et ce ne sont pas seulement les huit millions de yuans (soit environ six millions d’euros) que le film a engrangé lors des deux premières semaines d’exploitation en Chine populaire – malgré une terrible tempête sur la côte Est de la Chine qui aurait du inciter les gens à rester chez eux. Seven Swords prend sa source dans la tradition du wuxia (« chevalerie chinoise »), « la littérature wuxia est à la fois un art et une culture » comme l’explique le realisateur hongkongais Tsui Hark. « Ce sont des histoires imaginaires développées à partir de nos vies quotidiennes ; elles expriment l'esprit de justice, l'héroïsme et l'humanité ». Les romans de wuxia sont le fruit d'un héritage culturel profond et sont pour la plupart des histoires, se déroulant dans la Chine Ancienne, où les chevaliers évoluent dans le monde des arts martiaux, ou « Jiang Hu ». Le wuxia pian est le genre filmique dérivé de cette littérature fabuleuse (les films de kungfu appartiennent à cette catégorie). Dans ces histoires regorgeant d'action, les personnages pratiquent le kungfu et possèdent toutes sortes de pouvoirs magiques – comme se déplacer en volant sur la cime des arbres et réaliser des acrobaties qui feraient pâlir d'envie des Van Damme, Schwarzenegger et autres Stallones. Tigre et Dragon (Ang Lee, 2000) nous en avait déjà donné un aperçu. Une infinité de personnages, des intrigues croisées et complexes s'offrent au spectateur lorsque tout ce petit monde repose les pieds sur terre. La dernière production de celui que l'on appelle « le Spielberg hongkongais », Tsui Hark, tente de séduire le public chinois en lui offrant l'essence ultime du wuxia sur grand écran.

Né au Vietnam, Tsui Hark est dans le métier depuis plus de 25 ans. Il nous a livré quelques uns des meilleurs films de wuxia jamais réalisés en Chine continentale ou à Hong Kong. Formé aux méthodes hollywoodiennes de réalisation, il est toujours à la recherche de nouvelles idées qu'il expérimente afin d'explorer l'héritage culturel chinois et de l'exposer aux nouvelles générations de spectateurs.
Tsui Hark a débuté sa carrière à la fin des années 70 en réalisant la célèbre série télévisée de wuxia The Gold Dagger Romance, son premier tournage officiel, bien qu'il réalisait déjà à l'âge de 13 ans des films expérimentaux en 8 mm. En 1981, il rencontre la reconnaissance internationale avec Zu, Les Guerriers de la montagne magique, un récit d'arts martiaux défiant les lois de l'apesanteur. Malgré la première utilisation des techniques hollywoodiennes d'effets spéciaux (blue screen) dans un film hongkongais, Zu est un flop au box office local. Le film devient culte à travers le monde par l’intermédiaire de la VHS.
Depuis, avec plus de 60 films produits, dont 40 réalisés, Tsui a essayé de trouver le juste milieu entre expérimentation, ambition et succès commercial au sein de sa propre compagnie, la Film Workshop. Il a co-fondé la Film Workshop en 1984 avec sa femme Nansun Shi, une des productrices les plus respectées de Hong Kong. Dans ce laboratoire d'expérimentation cinématographique, ils se sont attachés à faire revivre toutes sortes de genres. « Nous pensons que l'héritage chinois a beaucoup à offrir » affirme Nansun. « Nous essayons de trouver les histoires qui pourraient avoir du succès à la fois sur le marché international et sur le marché local. »

Tsui a rendu hommage au folklore et à l'art chinois, non seulement en faisant revivre le film en costumes et le wuxia dans les années 1980 et 1990, mais aussi en franchissant de nouvelles limites. Les trilogies, A Chinese Ghost Story et Swordsman, le film The Lovers font partie de ses oeuvres les plus exceptionnelles et populaires. Ce qui montre qu'aussi iconoclaste, original et expérimental qu'il soit, ce réalisateur de 55 ans n'en a pas moins réussi à produire une série de succès commerciaux. Donc il ne s’agit nullement d’exagérer en affirmant que Tsui Hark a nourri l'industrie hongkongaise du film de 1986 à 1996 avec des idées novatrices, de nouvelles formules et genres filmiques. Les producteurs de Hong Kong ne s'y sont pas trompés, ils ont copié ses films et son style maintes fois. Ils ont inondé le marché avec près de 200 films par an en faisant de l'argent facile. D'un point de vue optimiste, ils ont aussi permis à de nouveaux réalisateurs et acteurs d'émerger et de transformer les modèles en genres populaires. Tous ces films étaient destinés au marché hongkongais ; Taiwan et la Corée faisant office de marchés secondaires. Or, aujourd'hui, il est devenu irréaliste, voire suicidaire, de faire recette en ne visant que le marché local.

Tsui Hark va découvrir cette dure réalité à ses dépends. Au milieu des années 1990, l'industrie du cinéma asiatique va mal, elle doit faire face à la crise financière qui sévit en Asie, à la montée en puissance du piratage, à la compétition des films hollywoodiens et de Chine continentale, et à l'exode de ses cerveaux vers l'occident. L'industrie cinématographique va alors décliner pendant presque dix ans. Il en est de même pour la production de la Film Workshop qui, de cinq films produits par an entre 1986 et 1994, passera à un film par an à partir de 1998.

Après un court séjour aux USA vers 1997 (séjour pendant lequel il va constater que la politique de studios hollywoodiens est trop restrictive à son goût), et plusieurs tentatives à Hong-Kong avec des fonds étrangers, Tsui Hark finit par produire en Chine quelques films discrets qui ne rencontrent pas de succès. Mais ils semblent être une tentative d'évaluation du marché local et des méthodes de production chinoises. A l'évidence cette expérience a certainement balisé le terrain pour son futur projet. « On ne devrait pas se limiter seulement à un certain lieu quand on fait des films, ce serait mieux d'aller dans divers endroits pour travailler, » a expliqué Tsui Hark pendant la conférence de presse de Seven Swords qui s’est tenue à Shanghai en juillet 2005. « Travailler de cette manière est mon rêve, et comme la majorité des spectateurs se trouve en Chine je dois essayer de donner le meilleur de moi-même».

Et c'est ce qu'il a fait. Le wuxia pian Seven Swords, est l’opportunité parfaite pour revenir sous les projecteurs, et renforcer sa renommée et sa bankabilité sur le marché chinois. Avec une intrigue simple - sept guerriers se réunissent afin de protéger un village contre un général démoniaque - mais beaucoup d'attention portée aux personnages et à la production, le film a concrétisé les projets très ambitieux de Tsui. Trois équipes, trois chorégraphes et trois directeurs de la photographie ont filmé, nuit et jour, onze personnages principaux afin d'achever cette co-production Chine/HongKong/Corée/Singapour de 15 millions d’euros.

A l'origine, une importante compagnie de télévision chinoise avait approché Tsui Hark en qualité de consultant créatif pour une série télévisée basée sur un classique de la littérature chinoise, le roman de Liang Yu-sheng, « Seven Swordsmen from Mountain Tian ». Connaissant l'ouvrage sur le bout des doigts et conscient de son potentiel cinématographique, Tsui a réussi à étendre sa collaboration à la production d’une série de longs métrages et séries télévisées qui seront tournées avec des équipes hongkongaises et un casting chinois. En effet, Tsui Hark et Nansun Shi, sa femme et partenaire, pensent qu'une coopération bilatérale est le meilleur moyen de réanimer le cinéma hongkongais. Nansun, productrice de Seven Sword, a évolué dans l'industrie du cinéma depuis trois décennies. Elle explique : «Nous sommes ceux qui pouvons sauver le cinéma de HongKong, si nous n'essayons pas, qui le fera ? ». Extrêmement motivé et enthousiasmé par le projet, Tsui abandonna la production d' Initial D , alors qu'il avait déjà commencé le travail de pré-production et repérage au Japon. Le film fut finalement réalisé par Andrew Lau et Alan Mak (Infernal Affairs), qui livrèrent un produit assez fade, calibré pour la pop idole taiwanaise Jay Chou.

"les films de kung fu deviennent de plus en plus abstraits... il était temps de ramener le genre à la réalité"

Seven Swords est aussi la tentative de Tsui de réconcilier le public chinois avec le monde des arts martiaux. Depuis Ang Lee et son Tigre et dragon, qui explosa sur tous les écrans en 2000, un grand nombre de wuxia pian esthétiques ont été réalisés afin de satisfaire aux goûts des spectateurs occidentaux. Le public chinois, un peu plus circumspect, a alors pensé que le vrai esprit du wuxia avait été trahi et affadi pour l’exportation. « Aujourd'hui les films de kung fu deviennent de plus en plus abstraits, si abstraits que j'ai senti qu'il était temps de ramener le genre à la réalité », explique Tsui Hark.

Avec Seven Swords, Tsui a trouvé un moyen d'expérimenter et de faire de l‘argent. Ironie du sort, il le fait à la manière hollywoodienne, à la Matrix avec ses produits dérivés. Seven Swords deviendra une série de long métrages, une série télévisée, des jeux vidéo et des BD. Les figurines Seven Swords ne sont pas loin derrière… Bien qu'une pléthore de personnages et de nombreuses sous-intrigues soient des caractéristiques du monde du wuxia pian, la complexité de l'histoire est ici autant à imputer au récit qu'à des raisons financières. Tsui explique : « les indices laissés dans ce premier film sont nécessaires et directement liés à la suite ». Ceci aide à comprendre pourquoi beaucoup de critiques et de spectateurs sont sortis perplexes de la projection du film. Pour lever la confusion, Tsui, tout comme Georges Lucas avec Star Wars, a écrit la bible de Seven Swords, détaillant le développement des personnages et le monde dans lequel ils évoluent. « La société est composée de nombreux êtres humains, il en est de même pour le Jiang Hu », dit-il. « Je veux juste rendre Seven Swords proche de la vie réelle et provoquer l‘émotion».

Seven Swords n'est pas parfait, mais c'est une réussite pour son créateur; le film lui a permis de retrouver une crédibilité financière. Suite à ce succès, Tsui cumule les nouveaux projets. Dans un futur proche, il produira un film co-financé par la France, The White Phoenix, et une comédie Kung Fu avec Stephen Chow (Crazy Kung Fu) en vedette. Il semblerait que Tsui Hark va continuer à jouer son rôle d'ambassadeur cinématographique de la culture chinoise pour de nombreuses années à venir.
Que la force soit avec lui.

Remerciements à Film Workshop / Mandarin Films / Mme Nansun Shi / M. Gu Ming.

Article publié en anglais dans that’s Shanghai magazine, Octobre 2005.
Version française publiée sur HKCinemagic.com, octobre 2005.
Photos Film Workshop /Mandarin Films /Beijing Ciwen Film /Boram Entertainment.
1728 mots.

Kung Fu traditionnel + humour de Chow + effets modernes + hommage au cinéma et à la culture chinoise = nouveau chef d’oeuvre du cinéma hongkongais.

Ce qui a fait la faiblesse de beaucoup de films asiatiques ces dernières années était la volonté de conquérir à tout prix les marchés internationaux avec une tendance à gommer son identité propre. Il en résultait des films pour la plupart chèrement produits, vites consommés, et au final fades et creux. Bénéficiant de moyens conséquents en provenance de Chine, de Hong Kong et des USA, et d’une excellente qualité de production, Kung Fu Hustle, la dernière réalisation du comique numéro 1 de HK, Stephen Chow, échappe à cette tendance. Même s'il a un vrai potentiel pour conquérir les marchés occidentaux, Kung Fu Hustle est avant tout un film de kung fu respectant la tradition du genre et qui de plus est accessible à tous. Hommage au cinéma de HK, il est une belle démonstration du meilleur qu'offre cette industrie : le kung fu, la kung Fu comedy et le « molaito ». Voyons dans quelles mesures Kung Fu Hustle engloble ces genres uniques et passionnants.

Le titre original du film annonce la couleur, « Gung Fu », ou Kung Fu en Mandarin, indique qu’il s’agira clairement d’un Kung Fu Pian, un film de Kung Fu. Comment pourrait-il en être autrement avec les maîtres du genre associés au film dans l’équipe technique ou le casting (Sammo Hung, Yuen Woo Ping, Yuen Wah, Tung Chi Hwa, Bruce Leung…) ? Et surtout la référence au genre, Bruce Lee, que Chow admire tant (son ombre plane sur chacun de ses films) et dont il endosse la défroque pour la confrontation finale. Même si Chow aime à dire dans ses interviews qu’il n’imite pas le Petit Dragon par respect et que son costume dans Kung Fu Hustle n’est qu’un habit traditionnel chinois il ressemble fortement à celui de Bruce Lee dans La Fureur de vaincre.

Les films appartenant au genre Kung Fu ont une trame identique : «le héros, vaincu ou humilié par son ennemi ou suite à la perte de son maître ou d’un être cher, apprend une nouvelle technique de combat qui lui permettra de se venger». SPOILERS- Ici, un jeune homme naïf (Chow donc) mais attiré par l’argent et le pouvoir tente de rejoindre un clan de gangsters violents et stupides, le clan des Haches qui sévit dans la région. Pour ce faire il doit éliminer par tous les moyens une bande de maîtres en arts martiaux récalcitrants. Toutes les tentatives sont vaines et notre ami est contraint de délivrer un maître surpuissant et incontrôlable. Chow se retrouve au sein d'une confrontation qui dépasse son entendement et y perd des plumes. Les talents martiaux du jeune benêt s'éveilleront finalement et il se tournera du coté de la vertu martiale et de la cause la plus juste. -FIN SPOILERS Le genre est donc ici respecté à la lettre.

Or donc, si les combats de kung fu sont légions, les gags ne manquent pas. Et ils inscrivent ainsi Kung Fu Hustle au sous-genre de la Kung Fu Comedy. Initiée dans les années 70 par Jackie Chan et Yuen Woo Ping et par Sammo Hung, ce sous-genre avait la caractéristique de contrebalancer les scènes d’action intenses par des gags, plus ou moins réussis, et permettant ainsi d’équilibrer le film entre climax violent et moments de détente. Si à l’époque les gags lourds étaient nombreux et prenaient parfois le pas sur l'action ou trop en décalage avec le ton du film, ici les gags issus du « mo Lai To », sont bien alternés avec les combats.

La comédie « mo lai to » (« n’importe quoi » littéralement), est le genre dans lequel excelle Chow et qui a fait sa réputation auprès du public asiatique très demandeur de ce type d’humour. Si pendant plus d’une décennie, Chow a officié dans le molaito, comprenez gags toutes les minutes et scénario au second plan, « on fait rire le public sur le moment », ici l’animal a su canaliser sa force créatrice et humoristique. Comme à son habitude, il ajoute donc sa marque de fabrique au film, son molaito traditionnel. Des gags scatologiques, des gueules pas possible, un humour décalé, des seconds rôles délirants, des situations cartoonesques (Tex Avery en serait fière) et un héros naïf mais au bon cœur, restent les éléments majeurs de ses films. Mais ici il n’y a pas d’accumulation de gags comme avant, ils s'intègrent dans la construction du récit. Les gags et les combats vont jouer alors un rôle essentiel dans la présentation et l’évolution des protagonistes et la progression du récit.

Les moments comiques sont d’ailleurs en parfait équilibre avec les scènes d’action et créent une atmosphère propre au film, pas excessif dans le n’importe quoi, mais pas extrêmement sérieuse non plus. Le métrage en devient réellement divertissant et surprenant, c'est une sorte de cartoon live ! Donc tout est possible et encore plus aujourd'hui avec les effets spéciaux numériques qui mettent cette folie en image. Chow ne se contente pas de nous resservir du vieux Kung Fu comedy et son moleitau d’antan. Il propose sa vision du genre en en rajeunissant la forme et en lissant les bords rugueux. Il a largement recours aux effets spéciaux. Des trucages proches de ceux de Shaolin Soccer pour amplifier les coups (une boule de feu se transforme en poing gigantesque), ou démontrer la force ou les intentions des combattants (un orage fantasmé évoque la méchanceté profonde d'un adversaire).

Par ailleurs, le métrage délivre un message positif et reste humaniste. Si les films de Bruce Lee montraient la force brute et la vengeance, parfois jusqu'à la folie (voir la névrose du héros de La Fureur de Vaincre), il n’y a pas de loi du talion ni de sadisme ici. La violence du film reste contenue. Certes il y a du sang, des coups portés et les effets de force de frappe sont impressionnants, mais le héros ne s’acharne pas, les méchants se massacrent entre eux ou vaincus, ils se repentent. Bref les vengeances sanglantes et froides ou autres tueries finales inutiles sont absentes.

Bien que le film s’ancre de par son genre et son traitement dans l’imaginaire chinois, il n'est pas imperméable. Chow maîtrise parfaitement son sujet et s’adresse à n’importe quel public. Les bons mots, les croyances et métaphores chinoises sont relativement simples à saisir. On y évoque par exemple la puissance de Bouddha comme force divine invulnérable. En fait le vrai talent de Chow est de ne pas proposer qu’une série de combats mais aussi une vision très personnel et poétique du kung fu ce qui donne lieu à des moments intenses. Ainsi les scènes d’action sont sublimées par des métaphores ou une vision traditionnelle et poétique des choses (une pluie de sabres, la métaphore de la transformation du jeune disciple en maître, de la chenille en papillon).

Kung Fu Hustle reste ancré dans un genre chinois très codifié, et le réalisateur ne perd pas de vue son projet. Si le film est grand public, il n’en reste pas moins très personnel et ambitieux. Il prouve que Chow, un des meilleurs acteurs de HK, peut aussi écrire, produire et réaliser avec rigueur un film chinois non édulcoré, et rencontrer un succès public international des plus mérités.

(c) HKCinemagic.com
Chief editor: Thomas Podvin
Published: 12/27/2004
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